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オタク漫画

【オタク論】(3) 自己自身である事


エヴァンゲリオン

↑シンジの心象風景。他人に引かれた"レールの上"を走る。


『エヴァ』はなぜヒットしたのか? 
これまでさんざん語られてきた事だ。 

ある大手新聞社は、オウム事件や阪神大震災によって 
人と人との繋がりを求める人が増えたからだと理由を後付けしたが、 
当然ながらそんな表面的な理由であるはずが無い。 

『エヴァ』は、監督・庵野秀明という人物そのままが表されていて、 
アニオタがそれを100%理解したというのが、ここで挙げる理由である。 


―――


3月のライオン』の回で説明したように、『エヴァ』はとても分かりにくい。 
解釈項の中に、心理学や実存哲学などの難解なステップが混じっていて、 
しかもそれが作品の中にきちんと落とし込まれずに、 
難解な状態のままテーマとして放り出されているからだ。 

この傾向が見られるようになったのが、予算の問題で 
スタッフが大幅に入れ替えられた第16話「死に至る病、そして」から。 
主人公の「碇シンジ」くんが使徒の虚数空間に取り込まれ、 
精神世界の中でもう1人の自分と自問自答する回である。 
これを境に、物語は心象的なものへと展開していく事となる。 

制作会社のガイナックスは、この頃はまだ小さな会社で、 
『ふしぎの海のナディア』の頃から予算に苦しめられていた。 
『ナディア』は湾岸戦争勃発で放送が中断、NHKから追加予算が出るなど、 
制作時間とお金に余裕が生まれた事で何とかクオリティを維持できたが、 
『エヴァ』の時にはそんな偶然は起きなかった。 
第16話以降、制作現場は破綻し、クオリティは著しく後退した。 
例の最終2話のプロットもこの時期に完成している。 

庵野監督は『エヴァ』を自分の心象風景を描いた作品であると述べ、 
宮崎駿の『紅の豚』を「パンツを脱いでいない」として批判しているが、 
庵野監督にとってのパンツを脱いだ状態=オナニー・ショウが、 
つまりは第16話以降の「シンジ」くんであると言えよう。 
予算が底を突いた事で表現方法が変化し、少ないセル枚数ながらも 
核心を避けて思わせぶりなキーワードを散りばめ、 
その他の説明を一切せずに視聴者の想像に委ねるようになった。 
これによって、深淵さが演出され、世界観が強調された。 

※ キャラクターデザインを担当した貞本義行の漫画版『エヴァ』では、 
  こうした表現は用いられず、第16話の部分もオールカットされている。 


『エヴァ』は理解の有意水準を越えた難解なものであったが、 
『宇宙戦艦ヤマト』から『機動戦士ガンダム』まで、 
ありとあらゆるアニメを享受してきたアニオタにとって、 
『エヴァ』を理解不能と結論付けるのは矜持に反するものだった。 
第6話までの高いクオリティと、時折はさまれるセクシャリズム、 
そして16話以降に演出された深遠な世界観は、 
彼らの心を掴んでおり、TVの前から離さなかったのである。 

その支持の大きさが、最終2話で決着する心象描写も好意的に捉えられ、 
難解なキーワードがアニオタのα係数を充分に刺激した事で、 
放送終了後に強い反響を呼び、関連商品がオリコンチャートを総なめした。 
商業的露出が増えたのがきっかけで、『エヴァ』の人気は 
アニオタの枠を飛び越え、一般層にまで波及していったのだが、 
この時、心理学や実存哲学の専門家ではないオタクの彼らが、 
専門家にも劣らない高い出力によって一般の人に面白さを伝えていった。 


『エヴァ』は、アニオタという存在が無かったら、 
庵野監督の自己満足で終わっていた作品であったに違いない。 
だが、庵野監督は伝えるべき事は伝え、最善の努力を尽くした。 
そうした努力を、有意水準の高いアニオタが100%拾い上げてくれた事で、 
『エヴァ』という難解な深層世界が補完されたのだった。 

また、スポンサーである角川書店がガイナックスに潤沢な予算を与え、 
分かりやすいロボットアニメとして作らせていたなら、 
庵野監督の色が薄まり、ここまでのヒットもしなかったはずだ。 
スポンサーの意向に邪魔されず、監督の意向が強く反映された事が、 
知的深度を深め、逆にアニメの潜在需要の高さを市場に示した。 
ちょうど同時期には『ガンダムW』が放送されているのだが、 
『W』の人気がガンオタどまりだったのは、登場人物の内面性が複雑でなく、 
注目を集めるほどの演出ではなかったからだと思われる。 


庵野監督が自分の心象風景を、難解な解釈項を用いて複雑にし、 
深淵に見せるように巧みな演出をして、確固たる世界観を形成した事。 
また、それをアニオタが好意的解釈とセールスでバックアップし、 
一般的に広く知られるほどに知名度を押し上げた事。 

この2点が、『エヴァ』が大ヒットした理由だろう。 
「碇シンジ」くんが自己肯定していくストーリーが評価されたのは、 
『エヴァ』がアニオタによって補完された後の話である。 
それまではおおよそ共感と呼べるほどの理解はされていなかった。 


この後、宮崎監督もパンツを脱いで『もののけ姫』を作り、 
アニメに限らず、特撮・漫画・ゲームなどその他の分野でも、 
難解なテーマを作中に落とし込んだ優れた作品がいくつも生まれ、 
サブカルチャー全体で知的深度が一気に増した。 
そしてこの時にもまた、様々な分野の「オタク」の人達が、 
一般の人への理解の橋渡し役となっている。 

「オタク」にとってやっている事は、『ヤマト』や『ガンダム』によって 
その存在を認知された20年前と何ら変わらないのだが、 
一般の人が『エヴァ』以降、オタク文化に積極的に興味を持ち、 
「オタク」に対する有意水準が引き上げられたのである。 
『エヴァ』は、社会現象を起こして市場を活性化しただけでなく、 
少数として区別されてきた「オタク」の地位を向上させた。 
『エヴァ』はオタクにとって、"希望"となったのだ。 


―――


シンジくんの葛藤は、性善説がより強く打ち出された 
劇場版第25話「Air」、26話「 まごころを、君に」で幕を閉じる。 

シンジくんは他者との交わりに"絶望"し、"ATフィールド"を張って 
リビドー(生)という名の自己自身を保持しようとする。 
"AT"とは、"Absolute Terror"の略で、絶対恐怖と訳される。 
他者と同化して自己自身を喪失する"絶望"=デストルドー(死)は、 
"アンチATフィールド"を展開して世界中の人を液体にしてしまう。 
他者との完全な同化こそが、人類補完計画の正体だった。 

しかし彼は、"絶望"して他の人と同じ液体になるよりも、 
他者と区別された自己自身である事を望み、元の居場所へと戻った。 
それは、光明思想家のジョセフ・マーフィーが示した"希望"に他ならない。 
キルケゴールが提唱した"絶望"は"死に至る病"であり、 
他者との交わりが自己自身を喪失させると説明したが、 
マーフィーは、"希望"はどんな重病でも治す特効薬であるとし、 
他者の中で自己自身を発揮する為の、"潜在意識の法則"を提唱した。 

シンジくんの選択は、「斑目」が「オタク」に見えない服を買いに行き、 
自己自身としての矜持を口にしたのと同様である。 
他者と同化する為にクソ高い服で身を包めば、トレードオフで 
エロゲーや同人誌を購入する資金を失い、自己自身である事が出来ない。 
「斑目」は結局、他者と同化する事を選択し、服を買う。 
「春日部さん」は、「いーじゃん似合ってんじゃない?」と言うものの、 
本当に必要なのは「高坂」のように自己自身である事だったはずだ。 


劇場版第26話の最後に描かれたのは、『変身』と同じ不条理である。 
元の居場所に戻ってきたシンジくんを待っていたのは、 
崩壊した世界と、恐怖の対象であるアスカだった。 
彼は再び他者との交わりを恐れてアスカの首を絞めるも、 
アスカはシンジの恐怖を理解し、頬をなでて受け入れた。 
彼女もまた、量産型エヴァに陵辱され、"絶望"を知ったからだ。 

シンジは他者との交わりに"希望"を見つけて、涙を流す。 
しかしアスカにとっては、シンジの恐怖は理解できても、 
シンジ自身は、まだ有意水準を越えた、理解しがたいものだった。 
自分の上で泣きじゃくる情けない男に向かって、 
「気持ち悪い」と一言つぶやき、そこで終劇となる。 

シンジくんが自己自身であろうと精一杯に願い、努力し、 
数々の苦難を乗り越えて元の居場所に戻ってきたのだとしても、 
他者であるアスカには、それが分からない。 
こんな不条理な世界がこそが、現実であるという事だ。 


ガイナックスの創始者・オタキング岡田斗司夫は、 
著書『オタクはすでに死んでいる』の中で、現代の「オタク」は 
他者との交わりの中で自己自身を喪失し、既に死んでいると述べた。 
「斑目」のような"絶望"の状態にあるというのだ。 

全ての「オタク」が「高坂」のように胸を張って生きるには、 
正規分布から否応なく外された不条理を受け入れるしかないのだが、 
"希望"の落とし所は、案外近くにあるのではないかと思える。 

きちんとメッセージを伝えれば、相手は理解してくれる。 
そして、理解してくれる人は必ず居る。 
庵野秀明という難解な存在がそうであったように、 
他者からの理解は"心の壁"を越えた先にあるものなのだろう。 
 


ご清覧ありがとうございました。

【萌え論】(3) 『けいおん!』の甘美な世界

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けいおん!

↑芸術美の粋を結集させた『けいおん!』、詩的ですらある。


「萌え」がパラフィリア(倒錯)であるとしたら、
あたかもそれが「エロ」であるかのようにユーザーに錯覚させる手法は、 
90年代後半には市場として成立し、大きな成功を収めている。 
これらはコミックマーケットを通じて二次作品化されていくのだが、 
この時、多くの同人作品が「エロ」要素を再び付け足し、 
エロパロディとして先祖返りを果たしているのだ。 

アダルトコンテンツから全ての「エロ」を取り除いても、 
ユーザーの倒錯によって「エロ」を補完する。 
これがアダルトコンテンツと血を分けた美少女コンテンツの、 
そして「萌え」の弁証法的な相関性である。 


「萌え」は「エロ」と同じで、それさえあれば、 
ストーリーテリングが無くとも作品としての体をなしてしまう。 
しかし、当然ながらそのような引き算だけの構成ではなく、 
残されたものをいかに純度を高めるかに主眼が置かれている。 

こうした観点から、「萌え」史上における空前のヒット作・ 
『けいおん!』がなぜ大きな支持を集めたのかを探ってみよう。 


―――


『けいおん!』の恐ろしさは、引き算の徹底と、 
芸術美の粋と思えるほどまで高められた掛け算の構造にある。 
ターゲットとなるユーザーが"不快"に思う描写を徹底的に排除し、 
"快"に思う描写を、最高の作画・最高のキャラ・最高の演出で掛け合わせ、 
100%に近い共感を得る相乗効果を生みだしているのだ。 

『けいおん!』では、女子高生なら必ず通るであろう恋愛経験を、 
登場人物の誰1人として通過していない。 
そもそもこの原作には、男性キャラがほとんど登場しない。 
主人公・平沢唯の父親、桜が丘女子高校の古文の先生、 
楽器店の店員、コンビニの店員、この4人だけ。 
ラフ画のみに登場した琴吹家執事、桜が丘高の校長と、 
原作続編で出てきた純ちゃんの兄を含めても、たった7人。 
舞台が女子高とは言え、男性の交友関係すら明かさぬ徹底ぶりだ。 

次に、日常作品と言われながらも、トイレやお風呂のシーンが無い。 
アニメ版で梓のトイレシーン、原作続編で浴場シーンが追加されたが、 
それまで『けいおん!』には下の描写が存在しなかった。 
男性キャラの件を含めても、他の萌え作品には、 
例えば『あずまんが大王』の「よみ」が便秘だったり、 
スタイルを気にしてダイエットしてたりするシーンがあるが、 
この漫画はそれを意図的にカットしていると見られる。 

さらには、過度な努力シーンが無い事も特徴のひとつだ。 
『BECK』では主人公の「コユキ」が、バイトしてお金を貯めたり、 
ギターの弾きすぎで指の皮が剥けたりする描写がある。 
ところが、軽音部員は放課後の音楽室で皆で楽しくお茶を飲み、 
陰で必死に練習しているにしても、表立った描写は抑えられている。 
やはりこれも、伝えるべき必要の無いものとして、 
作者が意図的に排除しているからだろう。 

このように『けいおん』には、悪意、汚辱、苦痛など、 
あらゆる"不快"な描写の一切が取り除かれ、 
"快"の描写だけが選別され残されているのが分かる。 
「桜が丘女子高」というユートピアを生み出す為の下地が、 
引き算の徹底によって形成されているのである。 


残された"快"の描写は、ここから更に純度が高められる。 
『けいおん!』では、音楽的な役割がキャラとして与えられている。 
リードギターが先行し、リズムギターがそれを追従し、 
ドラムスは自分のペースを守り、ベースは周りの人に合わせ、 
キーボードは後ろから見ている、といった感じ。 
軽音部員の1人ひとりが楽器であり、軽音部自体が1つのバンドのように、 
まとまりをより感じさせる為の横の繋がりが細かく設定されていて、 
ユーザーが作品に入り込みやすい空気を生んでいるのである。 

そこに、ユーザーが好みそうな猫耳やコスプレの要素も取り入れ、 
いわゆる属性と呼ばれる演出効果でキャラへの感情移入を高めている。 
例外的に沢庵の子だけは演出に失敗し人気を落としているが、 
リズムギターの子を「にゃん」付けしたり、ギターに名前を付けたり、 
キャラクターの付加価値を上げる試みはおおむね成功している。 

その上で、アニメ版ではキャラクターデザインを手掛ける 
堀口悠紀子が原作より優れた"黄金比"の絵柄を導入して、 
極めて質の高いアニメーションをユーザーに提供している。 
キャラ・作画・演出、完璧なまで三重奏。 
まるで口どけする甘いチョコレートのようだ。 
チョコレートの"素材"本来の味であるカカオの苦みを取り除き、 
そこに甘さを加えて、最高のスイーツになるよう調味されている。 
芸術美の粋を結集させ、甘美な世界を作り上げたのである。 

『けいおん!』の悪い点をあえて挙げるなら、 
展開の起伏に乏しく、作品としての変化が無い所か。 
同じような"快"の描写を再生産して繰り返し使用しているので、 
甘いのが苦手なユーザーからの共感は得にくいだろう。 
ユーザーの嗜好は多々あれど、甘いもの好きにはたまらない、 
そんな作品に仕上がっているのではないだろうか。 


―――


これと逆の事をやったのが、『げんしけん』の作者・木尾士目が
『月刊アフタヌーン』で2010年まで連載していた『ぢごぷり』である。 

『けいおん!』では"快"の描写を残して増幅させていたが、 
『ぢごぷり』は"不快"な描写を残して増幅させている。 
キャラ設定、属性効果、"黄金比"の絵柄を用いた点までは同じで、 
あらゆる悪意、汚辱、苦痛を克明に表現する事を試みた。 
例えるなら、カカオ99%のビターチョコレートだ。 

だが、『ぢごぷり』は結果的に読者からの共感を得る事に失敗した。 
起伏に乏しく、育児に疲れて落ちていくだけの暗い展開を、
甘味好きの読者にネガティブに取られてしまったのだろう。 
この漫画は巻行2冊で打ち切られ、木尾は人気のあった 
『げんしけん』の続編を新たに描いている。 


なぜ両者にこのような差が生まれた生まれたのだろうか。 
ここでヒントとして出てくるのが、倒錯である。 

プラス要素とマイナス要素、極性の違いはあれど、 
『けいおん!』と『ぢごぷり』に用いられた技術は同じものだ。 
だが不思議と『けいおん!』には萌えて、『ぢごぷり』には萌えない。 
これは、『ぢごぷり』からは「エロ」を感じない事とイコールで、 
すなわち倒錯が発生しないからであると考えられる。 

『ぢごぷり』には、おっぱいがたくさん出てくる。 
"黄金比"にとても近い絵で、ぷにゅぷにゅと柔らかそうに描かれている。 
しかし、それらは例外なく授乳器としての機能を果たすのみで、 
「エロ」としての倒錯は起きにくかった。 


育児は、もれなく"快"と"不快"の両方がついてまわり、 
"快"で得られる充足が大きいから、"不快"に耐えられるのだろう。 
これまでの育児漫画は、その両極性をカバーし、 
作品の"象徴"とする事で、多くの読者からの共感を得てきた。 
しかし、どちらか一方を意図的に削ったとするなら、 
穴埋めに別の何かを持ってこないと、作品として成り立たなくなる。 

その補完こそが倒錯であり、『けいおん!』の「萌え」であった。  
『ぢごぷり』は倒錯による読者の穴埋めがなされなかった。 
ゆえに、同じ技術を用いた両作品に差が付いてしまったのだろう。 


―――


こういった倒錯を一種の芸術美として感じさせるには、 
外堀を隙間なく埋めるような周到さと、確かな技術が要る。 
よつばと!』の回で川端康成の共通例を挙げたように、
「萌え」にはモダニズム文学に通じる技術が実際に使われた作品もある。
俳句でも、17文字まで短く削り取った文章から
大きな世界を想像させる手法が古くから用いられており、
そういった意味では「萌え」は詩的であるのかも知れない。

『けいおん!』は、残したコンテクストが高いレベルでまとまるように
"快"の描写をひたすら描き続け、感情移入を高めている。 
優れた作品であるならある程度のバランスを維持しているものだが、
狙ってやらなければ出来ないのが、"黄金比"のバランスである。

この作品は、原作者かきふらいと制作会社の京都アニメーションにより、 
売れるコンテクストとして初めから計算されていたのだ。


 この記事はアニプレッションに投稿しました。

※後記
 アニメ版のトイレシーンにて、記載漏れがあったようです。
 唯ちゃん達もトイレに行った事あるんですって…。
 原作のコンテクストではこの違いは結構重要なんですけどね…。
 


ご清覧ありがとうございました。

【入門】よつばと川端康成

よつばと

↑父ちゃんの視点から見たよつばは楽しそうだ。


『よつばと!』は面白い。 
だけど、その面白さを理論的に語ろうとすると、 
途端に難しく、訳の分からないものになってしまう。 

だが、構造は極めてシンプルだ。 

作者のあずまきよひこは、元々『天地無用』などを 
パロディにした漫画を描いていた背景があり、 
特徴を捉えるのに必要な、抜きん出た観察眼を持っている。 
その眼を使って、よつばという女の子を観察しながら、 
今度は日常生活をパロディにしているのである。 

『よつばと!』が日常生活の描写作品だというのは少し違う。 
この作品はあくまで、よつばを描いている漫画だ。 
しかしその描かれ方は、よつばを直接描写している訳ではない。 
Yotsuba&!とある通り、「&の人達」から観察した 
よつばが体験する夢のような日常生活を表している。 


つまりこう↓ 

&の人達 < よつば < 日常生活 

※「&」は直接には日常生活を見ていない。 


それを証明するように、この作品には映画的な 
三人称視点のカットが用いられている。 
よつばが主人公なのだが、よつばの視点から見たカットは 
1巻から通じても、1度も描かれた事は無い。 


こういった描写方法は、川端康成なども用いていた、 
モダニズム文学のテクニックの1つである。 

探偵「シャーロックホームズ」は、いかに頭が切れるかを、 
助手「ワトソン」の視点を通じて、強調して描写されている。 
川端康成も同様に、いかに出会った女性が美しかったかを、 
男性の視点を通じる事で、強調されている。 

『雪国』では、島村は語り手であり、読者は 
島村が愛した駒子の姿を、島村を通じて見ている。 

川端は、駒子の視点から見た情景の美しさを強調する為に、 
作品作りに必要だと思われていた物語性までを放棄し、 
その一点を伝える事にのみ全力を傾けているのだ。 

『よつばと!』も、ストーリーテリングと呼べるものは無い。 
お涙頂戴でもなければ、家族の素晴らしさを描いてる訳でもない。 
よつばの視点から見た平凡なはず日常生活は、 
退屈する事のないネバーランドのような世界なのだと、 
その一点にのみ成否を賭けて描かれているのである。 


「&の人達」から見た日常の風景は、つまらないものだ。 
例えば、急にどしゃ降りのにわか雨が降る。 
恐らくこれをほとんどの人が嫌がるだろうと思う。 

ところが、よつばはそれを楽しむ事が出来る。 
おおーすっげぇーと、どしゃ降りの中に駆け出し、 
両手を挙げて雨を迎え入れ、大喜びするのだ。 

「父ちゃん」はこれを見ながら、 

あいつは何でも楽しめるからな 
よつばは無敵だ 

と言った。 

よつばが見る世界は、常に遊びに満ち溢れている。 


川端作品では、女性をときに花に例えており、 
『椿』では、椿の木の成長を文子に投影させて、 
少女が大人になり、美しく咲き開いていく様子を表した。 
『よつばと!』でも、よつばは名前の通り、 
幸福をもたらすクローバーを表している。 
「&の人達」は、よつばが楽しむ日常生活を見て、 
たくさんの幸福を手にしている事だろう。 

そしてそれは読者も同じ事だ。 
あずまきよひこの高い技術で描かれた日常風景の絵だけを見て、 
リアルだと思う人は居ても、楽しいと感じる人は居まい。 
よつばの快活な視点を通すからこそ、楽しくなるのであり、 
これを読んでいる間が、至福に感じるのだと思う。 
読者も「&の人達」の中の1人。それゆえに、 
作品の世界に没入するような感覚が味わえるのである。 


要するに、川端作品が示すテーマである美しさが、 
楽しさに置き換わったのが『よつばと!』という事だ。 
両者の描写技術だけを比較したら、殆ど遜色が無い。 
あずまきよひこは、それほど高い技術を駆使している。 

思えば川端も、少女をよく題材にしていた。 
描くテーマが違えど、描く対象が同じというのも、 
非常に興味深いものである。 

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