漫画道場

漫画道場 漫画やアニメを学術的観点から考察・レビューします。



引っ越しました。
新ブログ「記号論研究所」を宜しくお願い致します。
URL→ http://semiotics.blog.jp/

2012年04月

【キャラクター論】(1) 素材の集合体


キャラクター論

↑"己が信念"を仲間に預けるルフィ。人物像や作品の主題まで伝わってくる。


漫画におけるキャラクターとは何だろうか。 

「Character」とは、創作作品で"登場人物"を指す言葉だが、 
漫画では2つのアプローチをもって「Character」を形成している。 

1つは、形而下学的な、形の有るものとして。 
「ルフィ」が"麦わら帽子"に換喩して表すことの出来る、 
外観を伝える上での形式的な特徴である。 

もう1つは、形而上学的な、形の無いものとして。 
「ルフィ」が"海賊"としての誇りを胸に掲げているような、 
内面を伝える上での表象的な特徴である。


人間性を1つの表現で表す事は困難だが、漫画はそうはいかない。 
際立った特徴を抜き出し、強調する事が必要になってくる。 

漫画で最も重要なのはキャラであると言われているが、 
ここで言うキャラとは、意味上の「Character」を指すのでなく、 
複雑に入り混じった人間性の中から簡略して抜き出された、 
単一的な"素材"を表すもので、これらを集合させる事で、 
その人物の全体、つまり「Character」が形成されるのである。 


――― 


ところが、こうした単一的なキャラ作りが行き過ぎた事で、 
成熟した作品が目立たなくなってきたのが昨今の現状としてある。 

例えば、「ライバル」が"天才"で"お金持ち"で、とか、 
「妹」が"ツインテール"で"ツンデレ"で、という風に、 
単一化された"素材"を集合させて組み上げるだけで、 
マクドナルドのハンバーガーのようにお手軽に 
読者のニーズに応えたキャラが出来てしまう訳だ。 


本来であれば、人間性は"素材"によって単一化されても、 
"素材"の1つひとつは人物全体を類型するものであるべきだろう。 

『タッチ』の「上杉達也」は、高校野球の"エース投手"だが、 
同じエースなら『ダイヤのA』の「沢村栄純」も居る。 
しかし、"エース投手"を使って物語を進行するのに、 
"バントだけはやたら上手い"というキャラの抜き出し方では、
「沢村」全体の人物像は見えてこない。
事故死した弟より速い球を投げる"双子の兄"の「達也」のように、
マウンドに向かう強い動機となる"素材"が欠かせないのである。

逆に、『NANA』の「小松奈々」や『DEATH NOTE』の「ニア」は、
人間性は類型できても、キャラの抜き出しが弱い。
全体の人物像が形而的に表されていない為、
特徴が伝わらず、読者の認識が分枝する可能性があるのだ。


つまり、人物の特徴を形而的に強調する事に配慮しながらも、
抜き出す"素材"はその人物を"象徴"するものが望ましい。 
単一化された"素材"は他者と差別化する為の記号に過ぎないが、 
その記号から人物像までをも類推させられるような 
可逆的な意味を持たせる事が、キャラを立てる事に繋がるのだ。 


キャラ  人間性
"素材"←→"象徴"


「ルフィ」は"麦わら帽子"に触れられる事を嫌がるが、
信じた仲間になら、それを預けようとする。
ここに、「ルフィ」の人間性を見る事が出来よう。


―――


キャラ作りが重要なのは、漫画に限らない。

『ふしぎの海のナディア』の主人公、「ナディア」は"肉嫌い"であるが、
これは彼女の過去や人間性に深く関わっている"素材"である。
『仮面ライダー555』の主人公、「乾巧」の"猫舌"も、
後のストーリーで怪人化する重要な伏線になっている。
『仮面ライダーカブト』の「天道総司」の"料理好き"とこの点が異なる。

最近では漫画的なキャラが芸能人などへも拡張していて、 
AKB48、オリラジ藤森、川越シェフ、尾木ママなど、 
形而下学ないし形而上学的な"素材"の集合体がウケている。 

複雑な人間性を分かりやすくアピールする為にも、
キャラ化は欠かせないのだろう。


次回は、高橋留美子『めぞん一刻』の登場人物の1人、 
四谷さんにスポットを当て、キャラ作りの秘訣に迫る。
 


ご清覧ありがとうございました。

【上級】象徴の両極性


火の鳥

↑記号化された生命の"象徴"。


作家が思い描く理想は、それを追い求める事で"象徴"となり、 
叙述や映像といった"記号"を用いて表す事で現実となる。 
ところが、理想と現実は掛け離れているもので、 
なかなか現実は理想通りに行かないのが、作家の苦悩だろう。 
それゆえに表現力を磨き、自分の理想に近付けるのだ。 


今から200年ほど前から、宗教や科学といった神話的なものが 
論理や演算によって説明され、意味付けられるようになった。 
19世紀は「理性の時代」と呼ばれ、ありとあらゆるものに 
意味を持たせていく事が、人間性を表すと考えられていた。 

ところが、どうやっても意味付けできないものがあった。 

それが、人間の感情だ。 

叙述や映像によって記号化=意味を持たせるという事は、 
固定してそこから動かなくする、断定という静的な動作である。 
だが言うまでもなく、人間の感情は動的で不断だ。 
揺り動く感情を、1つの表現で記号化する事は出来ない。 

例えば、テレビタレントの「ベッキー」を見て、 
"明るい"性格な子だと記号化する事が出来るだろうが、 
ハーフとして周りから区別されてきた"暗い"一面もあろう。 
どんなに正しく意味付けしようとしても、人によって 
受け取り方が異なるし、理解のされ方も違ってくる。 
人間性とは、19世紀の学者達でも答えを出せなかった、 
とてつもなく深淵で、複雑怪奇なものなのだ。 


ドイツの哲学者、エルンスト・カッシーラーは、 
人間を19世紀的な「理性の動物」としてでなく、 
感情と理性の間にある"象徴"を取り出す事の出来る、 
「象徴の動物」として定義した。 

二律背反する人間の感情は、"記号"で表す事が不可能だが、 
"記号"を越えた"象徴"を使えば説明出来ると考えたのだ。 
この思想は、シンボル(象徴)の哲学と呼ばれる。 

カッシーラーは"象徴"をイカロスの飛翔に例えている。 
太陽には届かないと分かっていても、翼を持って翔び立つのが、 
人間性の本質を表すものだとした。 

太陽=理想 > 蝋の翼=象徴 > 地面=現実 


欧州では19世紀末から20世紀初頭にかけて象徴主義が興り、 
文学では抽象的な叙述、絵画では抽象画が流行り始めた。 
ピカソや岡本太郎は、動的で不断な人間の感情を、"象徴"によって 
両極の意味合いを包括し、過不足なく伝えようとしたのだ。 

漫画にもやはり、抽象化作品と、具体化作品がある。 
次回は、抽象表現で理想と現実の間を描いた『20世紀少年』を、 
その次は、空想写実を具体化した『ワンピース』を解説する。
 


ご清覧ありがとうございました。

【上級】『20世紀少年』の郷愁

20世紀少年

↑"ヒーロー"を表す、地球防衛軍のシンボルマーク。



19世紀が「理性の時代」と呼ばれるのに対し、 
20世紀は「感性の時代」だと言われている。 

感性の時代は、1900年に行われた5度目のパリ万博で幕を開ける。 
19世紀最後となったこの年、フランス美術100年展が催され、 
新古典主義から印象主義への変遷を振り返りながら、 
後期印象派が生んだ象徴主義に彩られる20世紀を展望した。 

これと同じ年、象徴主義を代表する画家、パブロ・ピカソが、 
世界中の芸術家が集うパリの地を初めて訪れた。 
翌年1901年には、パリで自身初の個展を開催するに到り、 
以降、幾度も作風を変化させながら表現を追求していった。 

表現の極地へ登り詰めたピカソは、1937年の第7回パリ万博にて、 
象徴画の最高傑作の1つ、『ゲルニカ』を出展する。 
そしてその絵に感銘を受け、伝統芸能を重んじていた日本に 
前衛芸術を持ち帰った人物こそ、太陽の塔の制作者、 
象徴画の巨匠・岡本太郎、その人である。 


1970年にお目見えした太陽の塔は、戦後復興を遂げ、 
高度経済成長を終えた日本に、強烈なモラトリアムを残した。 
40年経ってもなお現存し、人類の進歩と調和の"象徴"として、 
日本人の古き良き時代を照らし続けている。 


――― 


岡本太郎が提唱した理念の中に、対極主義というものがある。 
写実主義=レアリスムの流れを組む定型的な象徴主義と、 
深層心理を描く不定型なシュールレアリスムの融合を意味し、 
前回に解説した"象徴"の両極性を捉えた理念を指す。 

『20世紀少年』は、そんな象徴主義の思想を背景に持つ。 
管理される社会に背を向け、自己表現に浸る新人類世代が、 
理想と現実の間にある"ヒーロー"になっていく話だ。 


新人類世代が子供の頃に夢見ていた"ヒーロー"は、 
なりたいと願いながらも、なれないと諦めている"象徴"だ。 
科学特捜隊の「イデ隊員」は、ウルトラマンが居れば 
われわれ科学特捜隊は必要ないような気がする、と、 
ウルトラマンに依存しきった無力感を吐露していた。 

『20世紀少年』に登場する人達も、理想の中にのみ存在する、 
"ヒーロー"の到来をひたすら待ち望みながらも、 
現実世界で自分達がその理想に到達する事は無いと、 
モラトリアム世代の心境を無力感で表現した。 

そんな鬱屈した対極主義の構造を打ち砕いたのが、 
世界を細菌テロの危機から救った、ともだちだ。 
ともだちは、理想を具体化する、まさに"ヒーロー"だった。 


主人公のケンヂも、幼少時代のモラトリアムを引き摺りながら、 
コンビニの店長として働く自分を嫌厭していた。 
小学生の頃は、友人と秘密基地で地球防衛軍ごっこをして遊び、 
"ヒーロー"が地球を救う「よげんの書」を書いた。 
ケンヂの理想は、世界をこの手で変える事だったのだろう。 

中学生になって、自分の力で世界を変えようと、 
放送室を乗っ取り、T.REXの『20th Century Boy』を流すのだが、 
変革は起きず、やっぱり"ヒーロー"にはなれなかった。 
現実は、ケンヂの理想を受け入れなかったのだ。 
いつしか自分が思い描く理想を、郷愁の中に閉じ込めて、 
ケンヂは現実に頭を下げて生きるようになった。 


――― 


けれど、そんな小さな郷愁まで奪われようとしていた。 
ともだちは、ケンヂとその友人の"象徴"であった 
地球防衛軍のシンボルマークを自分のものにして、 
ケンヂ達が書いた「よげんの書」を実行していった。 

ケンヂ達の理想は、大阪万博と太陽の塔に"象徴"された 
人類の進歩と調和を、自分達の世代が引き継ぐ事である。 
それを実行するのは、他人であってはならない。 

だが、立ちはだかる現実に打ちのめされている間に、 
ともだちが自分達の理想を具体化してしまった。 
"ヒーロー"になるのは自分達であるはずだったのに、 
ウルトラマンの「イデ隊員」ように、大人になってからも、 
他人が世界を救うのを見届ける役割になろうとしていた。 

ケンヂ達は、ともだちから"象徴"を取り戻す為に、 
今度こそ自分達の手で理想を掴む事を決意する。 
誰もが憧れる正義の"ヒーロー"にはなれないけれど、 
理想と現実の間に確かに存在する、郷愁の中に佇む 
自分達の矜持を守る、小さな"ヒーロー"になる為に。 


――― 


モラトリアム世代が抱いた個人至上の思想は、 
ケンヂ達と同じく、現実を越えたシュールレアリスムだろう。 
松本人志の『しんぼる』が国内で酷評を受けたように、 
そのまま描くだけでは、他人から理解される事は無い。 
岡本太郎が定義付けたように、現実であるレアリスムと融合し、 
両極性を包括する事で、ようやく共通認識が生まれる。 

『20世紀少年』は、岡本太郎の対極主義をそのまま形にした、 
象徴性の極めて高い作品だと言えよう。 
"ヒーロー"という郷愁の中のシュールレアリスムを、 
作品の"象徴"として現実に落とし込んだ、まさに傑作である。 

2011年で、岡本太郎の生誕から100周年目を迎えた。 
岡本太郎の残した20世紀は、確かに21世紀に引き継がれている。 


次回は、徹底したレアリスムを追求する事で 
理想を具体化した『ワンピース』の世界に触れてみよう。
 


ご清覧ありがとうございました。

【上級】ワンピーススタイル

ワンピース

↑背景が潰れるまで描かれた大海賊時代の1カット。



累計発行部数、2億5000万部。 
最新巻初版、400万部。 

『ONE PIECE』の凄さを端的に表した数字である。 

これほどまで人気がある理由は、作者である尾田栄一郎が、 
「誰にでも分かる」漫画を描いている所だろう。 

「誰にでも分かる」と述べてしまえば簡単なように思えるが、 
作者が読者に対し、作品の意味を過不足なく伝えるというのは、 
老若男女さまざまな、何百万の違う価値観を持った読者と、 
たった1つの共通認識で結ばれるという事だ。 
信号機の赤が「止まれ」で、青が「進め」といった、 
単純な"記号"なら「誰にでも分かる」だろうが、 
作品という複雑に入り混じった"記号"を充分に理解させるには、 
激流に隔てられた対岸に橋を渡すのと同じくらい努力が居る。 
尾田はそれを15年間も継続しているのである。 


――― 


『ONE PIECE』の凄さを表すのは、何も数字だけではない。 
尾田はヒットを計算して描ける作家だという事が、 
この作品の特徴を挙げていけば見えてくる。 

まず、全体を通して、抽象的な表現が全く無い。 
少年漫画全般に言える事だが、尾田はこれを徹底している。 
『ONE PIECE』は1つを理解させるのに10の描写がなされていて、 
これにより読者の解釈をその1つに集約させようとしている。 
小説よりは映画に近い表現方法だと言える。 

ストーリーの骨子に命を宿す為に、肉付けとして 
時代背景やストーリー設定にも配慮を行き渡らせ、 
建物や群集まで、とにかく細密に描き込まれている。 
それらを寄木細工のように配置通りに組み上げる事で、 
空想の中の大海賊時代を、まるでその場で見てきたかのように、 
具体性を帯びた世界観を作り上げているのである。 
ここまで細かい作品を週刊誌で連載している事が驚きだ。 


これは美術や文学で言う所の写実主義=レアリスムに当たる。 
写実主義は19世紀半ばにフランスで興った思潮であり、 
美術ではクールベやマネ、文学ではスタンダールが完成させ、 
日本では明治時代に坪内逍遥の『小説神髄』によって著された。 

以下はその引用である。 

 小説は、見えがたきを見えしめ、曖昧なるものを明瞭にし、 
 限りなき人間の情欲を限りある小冊子のうちに網羅し 
 之をもてあそべる読者をして自然に反省せしむるものなり。 

漫画では『ナニワ金融道』の青木雄二も取り入れており、 
社長とヒラ社員のスーツの柄の違いや、領収書の金額など、 
背景が黒く潰れるまで書き込んである。 

『ONE PIECE』にも、この写実的な手法が取り入れられている。 
見えがたきを見えしめ、曖昧なるものを明瞭にする為に、
時には背景が潰れるほどまで10の描写をしているという訳だ。


――― 


次に、『ONE PIECE』には『スラムダンク』にも見られた、 
完成されたプロットが繰り返し使われている。 

『スラムダンク』では、 

・桜木が天才の自分を夢想する 
↓ 
・ライバルに天才性を否定される 
↓ 
・自分に出来る事を絞り込む 
↓ 
・ダンクを決めて天才を証明する 

どの試合でも、基本的な流れは全て同じである。 
少年漫画に限らず、例えば高橋しんの『いいひと。』でも、 
LG編から完成されたプロットが繰り返されている。 

『ONE PIECE』では、 

・新しい島に上陸 
↓ 
・事件が起こる 
↓ 
・事件の首謀者を倒す 
↓ 
・宴を開く 

この流れが、それぞれの島で手を変え品を変え展開される。 

これは、作者の"象徴"を変化させない為に用いられるもので、 
最後まで同じテーマを伝え続けるのに有効な手法だ。 


『ONE PIECE』が連載されている週間少年ジャンプでは、 
伝統的に、努力・友情・勝利というプロットが多用され、 
鳥山明の不朽の名作『ドラゴンボール』など、 
正義の主人公が悪を討ち滅ぼす"勧善懲悪"の作品が占めている。 

ところが、『ONE PIECE』にはこれが当て嵌まらない。 

ルフィ達は悟空のように修行をする場面が描かれておらず、 
唯一例外として覇気を会得する場面も、さわりに触れただけだ。 
ベジータのようにかつての敵と共闘したのは、 
投獄されたクロコダイルらと一時的に手を結んだくらい。 
必ず勝利ともいかず、青キジやマゼランに破れ、 
シャボンティ諸島やマリンフォードでは大敗北を喫する。 

"勧善懲悪"どころか、ルフィ達の方が悪者扱いされ、 
賞金首として指名手配されているくらいである。 


では、尾田が完成されたプロットを繰り返して 
伝えようとしている"象徴"とは何か? 


――― 


再び『小説神髄』を紐解くと、坪内逍遥は、 
作品作りにおける主脳は人情なり、と述べており、 
日本人の根底に流れているのは"人情"だから、 
それをありのままに写実しなさい、としている。 

これより以前、つまり江戸時代の小説というと、 
歌舞伎の脚本のような"勧善懲悪"の作品を指し、 
それは当時においても充分に古臭いものだった。 
明治以降、二葉亭四迷らによって日本に写実主義が広まり、 
"勧善懲悪"のスタイルから、"人情"を描いた 
心理的写実のスタイルへと移り変わっていった。 


尾田の描くレアリスムは、こういった"人情"をテーマにした 
任侠映画や時代劇の影響を受けている事で知られている。 

どんな苦難も分かち合い、支え合ってきた日本人の心― 

仲間と一緒に喜び、仲間と一緒に泣き、仲間と一緒に怒る。 

なぜこの作品が何百万もの支持を集めるのかと言えば、 
明治以降に生まれた「誰にでも分かる」日本人の"人情"を、 
一切の抽象表現を排し、圧倒的な写実描写によって 
解釈の余地が残らないほどにまで伝えてきたからだろう。 


20世紀少年』はシュールレアリスムの極致にあり、 
抽象表現の奥にある20世紀の文化を読者が認識しなければ、 
作品の"象徴"を拾い上げる事はなかなか難しい。 

『ONE PIECE』はレアリスムの極致にある。 
既に読者の中に存在している解釈項を"象徴"にしているので、 
おおよそ写実主義が何たるかを知らなくとも理解できよう。 

伝統文化の魂を込めつつ、新しい世界観を構築する。 
やはり、『ONE PIECE』は凄い。
 


ご清覧ありがとうございました。

【中級】象徴と伝える技術

ゴールデンボーイ

↑言ってる事は分かるけどね…もはや漫画である必要ないよね。


漫画の表現の上で、叙述=文と、映像=絵によって 
作者と読者との間に共通認識が構築される事は、 
入門編『スラムダンク 』の回で述べた通りだ。 

この考え方は、アメリカの言語学者である、 
チャールズ・パースの提唱した記号論に基づくものである。 
記号はアイコン・インデックス・シンボルに三分され、 
これを漫画に当て嵌めると、以下のようになる。 


・アイコン「図像」 
 映像=絵。登場人物や背景画を指す。 

・インデックス「指標」 
 叙述=文。台詞やナレーションを指す。 

・シンボル「象徴」 
 作者の伝えたい事。主義主張やテーマ性を指す。 


漫画家が漫画を描く。 
それは"象徴"を伝える事と同じ意味である。 

ある漫画家は高い画力でそれを伝えたい。 
ある漫画家はストーリーの巧みさでそれを伝えたい。 
ある漫画家はキャラでそれを伝えたい。 

伝え方は違えども、伝えたいものは自分自身の存在意義だ。 


台詞の秀逸さや絵の美しさだけでは作品として成り立たない。 
叙述と映像は伝達の手段であり、目的にはなりえない。 
作者の"象徴"がまず明確化され、そしてそれが 
絵と文を用いて、いかに面白く読者に伝えられるかが、 
作者と読者との間に共通認識が生まれるかどうかを分ける。 
大事なのは3つの記号のバランスだ。 

例えば、作者の主張を登場人物にそのまま代弁させれば、 
作者の意図する"象徴"が読者に伝達される事は明らかだが、 
それで面白いかと言えば、物足りないというのが本音だ。 

絵と文章がバランス良く組み合わさって説明されていれば、 
沢山の読者と面白いという共通認識で結ばれて、 
一般的には面白い作品だと言われるようになるだろう。 
表現力が高いと読者にもより伝わりやすいし、 
それだけ多くの支持も得る事が出来る。 

だが、絵や文章の力が不足してたり難解だったりして、 
共通認識で結ばれる読者の数が少なくても、 
伝えたいものが一貫していたり、ユニークだったりすれば、 
それをキャッチ出来る読者から支持を得る事が出来る。 
やはりそれも、面白い作品であるのだ。 


漫画には、作者の"象徴"が読者に伝わりにくい作品がある。 
作者の表現したい事に技術が届かないケースが大半だが、 
中には、作者の表現が読者の理解を追い越してるものもある。 

次回は、『3月のライオン』が読者に伝わりやすい理由を、 
その次は、『HUNTER×HUNTER』が伝わりにくくなった理由を、 
2回に分けて解説していこうと思う。 
 


ご清覧ありがとうございました。

共有(シェア)ボタン
各種RSSはこちら↓

Twitter
アクセス数 (UU/Week)

    QRコード
    QRコード


    • ライブドアブログ